Галерея «МАСТЕР»
Назад * Галерея «МАСТЕР» * Вперёд
Корреджо
Во втором десятилетии XVI века в Корреджо и других небольших городках Эмилии - области северной Италии - начал свою деятельность художник, которого следует считать одной из первых величин итальянского Возрождения. Это был Антонио Аллегри, прозванный Корреджо.
Художник родился в семье купцов среднего достатка. Отец, желая дать сыну хорошее образование, определил его к нескольким учителям. У одного из них Антонио изучал язык и литературу, философию, а также математику и анатомию - это был известный медик Джованни Ломбарди. С последним у Корреджо на всю жизнь сохранились дружеские отношения. Возможно, что портрет так называемого «Медика» из Дрезденской галереи - это изображение Ломбарди.
Однако ученая карьера Антонио не состоялась. Он чувствовал непреодолимое влечение к живописи и проявлял к ней несомненные способности. Живопись Корреджо начал изучать у своего дяди, посредственного художника, но основную выучку прошел в Модене в мастерской Бианки Феррари. Об этом свидетельствует и несомненное влияние моденской живописи в ранних произведениях Корреджо. По возвращении на родину Корреджо вскоре становится известным живописцем и получает большой заказ в Парме, главном городе Эмилии. Ему было предложено расписать несколько помещений монастыря св. Павла, игуменья которого была известна своей оригинальностью и своенравием. Возможно, этим объясняется специфика сюжетов, выбранных Корреджо. Им были совершенно исключены религиозные сцены и изображены мифологические сюжеты, в столовой на стене он пишет фреску «Возвращение Дианы с охоты», а потолок расписывает в виде беседки, увитой гирляндами зелени. Сквозь нее в овальные проемы выглядывают пути. несущие охотничье снаряжение и трофеи Дианы. Изображенные здесь путти - одна из лучших декоративных работ того времени по изяществу форм и свежести чувств. В целом же фрески монастыря св. Павла (1517-1520) представляют собой первый шаг мастера в освоении приемов монументально-декоративного искусства.
Следующей была роспись купола церкви Сан Джованни Эванджелиста (1520-1524) в том же городе. Естественно, что заказ этот последовал после того, как в Парме распространилась молва о великолепном мастерстве молодого художника. В этой фреске Корреджо создал новый тип купольной росписи. До него купола разделяли на части или естественными архитектурными членениями или же их живописной имитацией. В каждой части помещалась отдельная композиция или фигура. Корреджо поступает иначе. Он как бы уничтожает реальные пространственные границы интерьера и создает иллюзию небесного свода, на фоне которого парит фигура Христа. Вокруг располагаются апостолы, также изображенные в смелом ракурсе и смотрящие вверх на видение. Позы свободны, а лица выражают охвативший героев трепет при созерцании чуда. Пронизанная сильной внутренней динамикой, композиция поражает необыкновенной жизненностью, с которой трактует художник сверхъестественное событие. В росписи огромного купола Пармского собора, начатой в 1524 году, Корреджо доводит до совершенства созданные им принципы купольной росписи. Заказ на нее художник получил, еще будучи занятым работой в Сан Джованни Эванджелиста. Когда эти фрески были уже в стадии завершения, монахи-бенедиктинцы увидели их и были настолько поражены, что тут же вступили в переговоры с художником по поводу росписи собора.
В куполе Корреджо изобразил сцену «Вознесение Богоматери на небо», вновь прибегнув к приему создания иллюзорного пространства неба, которое он заполнил облаками и сонмом полуобнаженных фигур святых и ангелов. В центре композиции в ослепительном сиянии архангел Гавриил встречает Богоматерь. Навстречу ему устремлена группа ангелов и святых, поддерживающих Марию. Движения отдельных фигур сливаются в единую динамическую композицию, разрушающую границы реальности и уносящую воображение зрителя в сферу мистических переживаний.
Однако современники не оценили должным образом фреску Корреджо. Сложные ракурсы, удивительные эффекты светотени, сложность и новизна композиции оказались вне пределов привычного восприятия. Настоятель монастыря сравнил живопись Корреджо с блюдом лягушачьих ног. Всю степень новаторства мастера мог оценить только истинный художник. Им оказался Тициан, проезжавший несколько лет спустя через Парму и видевший фреску Антонио. Монахи спросили у него, стоит ли фреска той суммы, которую они затратили на нее. «Возьмите этот купол, - отвечал Тициан,- переверните его, наполните золотыми монетами, и тогда еще вы не заплатите то, что стоит эта живопись». К сожалению, сам художник не слышал этих слов. Он умер в возрасте сорока лет, не успев закончить свое последнее произведение.
Станковая живопись Корреджо раскрывает нам иные грани его искусства. В алтарных образах 1520-х годов мастер болеетрадиционен, чем в монументальной живописи. Как в «Мадонне со св. Франциском», так и в «Мадонне со св. Себастьяном», Корреджо стремится сохранить гармонический строй образов Высокого Возрождения. Но если в первой картине автору это удается, то во второй он настолько увлекается динамикой фигур и аффектацией движения, что говорить о ренессансной основе уже трудно. Перед нами уже произведение иной эпохи, маньеристической, когда художника привлекают светотеневые и пластические контрасты, экспрессия движения, внешняя красивость формы, а за всем этим стоит возможность субъективного самовыражения, погружения в стихию сверхчувственного.
К наиболее зрелым алтарным картинам Корреджо следует отнести «Мадонну со св. Иеронимом» (так называемый «День», 1527-1528, Парма, музей) и «Рождество* (так называемая «Ночь», ок. 1530, Дрезденская галерея).
«День» - излюбленный итальянскими мастерами тип «святого собеседования». Сохранив внешнюю традиционную форму, Корреджо превращает его в полную нежных чувств сцену материнства. Художник как бы нисходит с высот тех сверхъестественных видений, которые он воплощал в купольной росписи Пармского собора. Он погружается в уютный мир простых человеческих отношений, любуется красотой самых светлых человеческих чувств. Взор художника обращается и к природе, находя в ней отражение своим переживаниям. Пейзаж в картине - один из самых прекрасных в творчестве мастера.
Знаменитая «Ночь» пронизана теми же настроениями. Художник прежде всего стремится отобразить человеческие переживания, чувственно-эмоциональную сущность события. Даже сверхъестественное освещение приобретает в картине характер обыденного: источающее свет тело младенца объято руками матери, которая прижимает его к себе и смотрит на него с умилением и любовью. Все остальные персонажи, даже парящие в воздухе ангелы, изображены в самых непосредственных позах.
Следует отметить, что «Рождество» - одна из самых первых «ночных сцен» в итальянском искусстве. Ей предшествовала лишь фреска Рафаэля «Освобождение апостола Петра из темницы». Но там был подчеркнут скорее элемент чуда, тогда как Корреджо с помощью великолепного владения светотеневыми эффектами создает иллюзию реального ночного освещения. Этим он предвосхитил многие приемы живописи XVII столетия.
Однако эстетика маньеризма все более захватывает Корреджо. Особенно это заметно на примере его поздних живописных произведений - парных композиций «Юпитер и Ио» и «Ганимед» (обе в Музее истории искусств в Вене, ок. 1530) или «Данаи» (нач. 1530-х гг.. Галерея Боргезе, Рим), где трансцендентное восприятие мира берет верх над образами простого человеческого бытия.
Если окинуть единым взглядом творчество Корреджо, то прежде всего в нем поражает диапазон поставленных художественных проблем. Во фресковой живописи он намного опережает своих современников, предвосхищая плафонные росписи XVII и XVIII веков (вплоть до Тьеполо!). В станковой живописи Корреджо проделывает огромный путь от проникнутых духом величия и патетики образов Высокого Возрождения до взволнованных и экспрессивных композиций, открывающих путь новой эпохе - барокко.
Костумбризм
(исп. costum-brismo, от costumbre - нрав, обычай)
Направление в литературе и изобразительном искусстве Испании и Латинской Америки 19 в. В основе изобразительного искусства костумбризма (часто связанного с научным изучением страны) лежало стремление к документально верному изображению природы, бесхитростному, внимательному и точному воспроизведению характерных черт и красочных особенностей жизни и быта; вместе с тем этнографический мотив в произведениях костумбристов нередко превращался в любовно воссозданную, подчас идилличную жанровую сцену. Костумбризм. осознал эстетическую ценность национальной природы и событий повседневной жизни, ввёл в круг латиноамериканского искусства образы простых людей. Школы костумбристов сложились на Кубе (Э. Лапланте, В. П. де Ландалусе, Ф. Миале), а также в Колумбии (Р. Торрес Мендес), Аргентине (К. Морель), Уругвае (X. М.-Беснес-и-Иригойен), Чили (В. Перес Росалес, М. А. Карро), Мексике (X. А. Аррьета) и других странах.
Кубизм
(франц. cubisme, от cube - куб)
Модернистское течение в изобразительном искусстве (преимущественно в живописи) 1-й четверти 20 в. Возникновение кубизма относят к 1907, когда П. Пикассо написал картину «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк), необычную по своей острой гротескности: деформированные, огрублённые фигуры изображены здесь без каких-либо элементов светотени и перспективы, как комбинация разложенных на плоскости объёмов. В 1908 в Париже образовалась группа «Батолавуар» («Лодка-плотомойня»), куда входили Пикассо, Ж. Брак, испанец X. Грис, писатели Г, Аполлинер. Г. Стайн и др. В этой группе сложились и были последовательно выражены основные принципы кубизма. В другую группу, возникшую в 1911 в Пюто под Парижем и оформившуюся в 1912 на выставке «Сексьон д`ор» («Золотое сечение»), вошли популяризаторы и истолкователи кубизма - А. Глез, Ж. Метсенже, Ж. Виллон, А. Ле Фоконье и художники, лишь частично соприкоснувшиеся с кубизмом, - Ф. Леже, Р. Делоне, чех Ф. Купка. Слово «кубисты» впервые употребил в 1908 франц. критик Л. Восель как насмешливое прозвище художников, изображающих предметный мир в виде комбинаций правильных геометрических объёмов (куба, шара, цилиндра, конуса).
Кубизм, знаменовал собой решительный разрыв с традициями реалистического искусства. Вместе с тем творчество кубистов носило характер вызова стандартной красивости салонного искусства, туманным иносказаниям символизма, зыбкости живописи позднего импрессионизма. Сводя к минимуму, а зачастую и стремясь строить свои произведения из сочетания элементарных, «первичных» форм, представители кубизма обратились к конструированию объёмной формы на плоскости, расчленению реального объёма на геометризированные тела, сдвинутые, пересекающие друг друга, воспринятые с разных точек зрения. Входя в круг множества модернистских течений, кубизм выделялся среди них тяготением к суровой аскетичности цвета, к простым, весомым, осязаемым формам, к элементарным мотивам (таким, как дом, дерево, утварь и др.). Это особенно характерно для раннего этапа кубизма, сложившегося под влиянием живописи П. Сезанна (его посмертная выставка состоялась в Париже в 1907). В этот «сезанновский» период кубизма (1907-09) геометризация форм подчеркивает устойчивость, предметность мира; мощные гранёные объёмы как бы плотно раскладываются на поверхности холста, образуя подобие рельефа; цвет, выделяя отдельные грани предмета, одновременно и усиливает, и дробит объём (П. Пикассо, «Три женщины», 1909, Ж. Брак «Эстак», 1908). В следующей, «аналитической» стадии кубизма (1910 - 12) предмет распадается, дробится на мелкие грани, которые чётко отделяются друг от друга: предметная форма как бы распластывается на холсте (П. Пикассо, «А. Воллар», 1910, Ж. Брак, «В честь И. С. Баха», 1912). В последней, «синтетической» стадии (1912-14) побеждает декоративное начало, а картины превращаются в красочные плоскостные панно (П. Пикассо, «Гитара и скрипка», 1913; Ж. Брак, «Женщина с гитарой»); появляется интерес ко всякого рода фактурным эффектам - наклейкам (коллажам), присыпкам, объёмным конструкциям на холсте, то есть отказ от изображения пространства и объёма как бы компенсируется рельефными материальными построениями в реальном пространстве. Тогда же появилась кубистическая скульптура с её геометризацией и сдвигами формы, пространственными построениями на плоскости (неизобразительные композиции и ассамбляжи - скульптуры из неоднородных материалов Пикассо, произведения А. Лорана, Р. Дюшан-Виллона, геометризированные рельефы и фигуры О. Цадкина, Ж. Липшица, вогнутые контррельефы А. П. Архипенко). К 1914 кубизм начал уступать место другим течениям, но продолжал влиять не только на французских художников, но и на итальянских футуристов, русских кубофутуристов (К. С. Малевич, В. Е. Татлин), немецких художников «Баухауза» (Л. Фейнингер, О. Шлеммер). Поздний кубизм вплотную приблизился к абстрактному искусству («абстрактный кубизм» Р.Делоне), одновременно через увлечение кубизмом прошли, преодолев его воздействие, некоторые крупные мастера 20 в., стремившиеся к выработке современного лаконичного экспрессивного художественного языка, - мексиканец Д. Ривера, чехи Б. Кубишта, Э Филла, итальянец Р. Гуттузо, поляк Ю. Т. Маковский и др.
Латемская школа
Колония бельгийских художников, работавших в деревне Синт-Мартенс-Латем (Sint-Maertens-Laethem) близ Гента. Для творчества мастеров так называемой 1-й латемской группы (сложилась в 1898-99; скульптор Ж. Минне, живописец В. де Саделер и др.) наряду с яркими чертами символизма и стиля «модерн» характерны любовь к сельской тематике и старинной нидерландской живописной традиции, культовой патриархальной старины, пессимизм и мистическая символика. В 1-й четверти 20 в. 2-я латемская группа перерабатывала принципы латемской школы в духе обострённо-драматической экспрессии (К. Пермеке) или утончённых живописных исканий (Г. де Смет).
Ломбардская школа
Художественная школа Северной Италии. В архитектуре сложилась на протяжении 8-10 вв. и сыграла решающую роль в формировании так называемого первого романского стиля в Италии. Образцом церковной архитектуры Ломбардии становится 3-нефная базилика со слабо выраженным поперечным нефом - трансептом и подземным помещением - криптой, благодаря которой алтарная часть оказывается приподнятой по отношению к нефу, а также отдельно стоящей колокольней - кампанилой. Тектонический декор наружных стен обычно состоит из лопаток, аркатурных фризов и аркадных галереи (церковь Сант-Амброджо в Милане, строительство - 11-12 вв.; церковь Сан-Дзено Маджоре в Вероне, 12 в.). Расцветает искусство резьбы по камню (творчество мастеров Николао, Бенедетто Антелами и др.). На ломбардской почве готика получает подчёркнуто статичную интерпретацию, приобретая зачастую декоративный характер (так называемая Чертоза в Павии, с 1396; Миланский собор, начат в 1386). Постройки ломбардской школы эпохи Возрождения (арх. Филарете, Г. Солари, Дж. А. Амадео) отличаются обилием декоративных вставок, подчёркивающих гладь стены; получают развитие новаторские по построению внутреннего пространства архитектурные композиции, особенно в творчестве Браманте.
Живопись треченто и раннего кватроченто в Ломбардии отмечена хрупким изяществом форм, поэтичностью; развивалась в русле интернац готики (миниатюры в рукописных «гербариях» и «лечебниках», анималистич. рис. Дж. де Грасси). Значительную роль в развитии ломбардской живописи кватроченто сыграл Пизанелло. Во 2-й пол 15 в, в живописи ломбардской школы усиливаются влияния флорентийского искусства и творчества А. Мантеньи. В произведениях мастеров этого времени преобладают пластическая ясность композиции, смягчённость колорита, повышенный интерес к светотеневой моделировке (В. Фоппа, Иль Бергоньоне, Брамантино, Браманте). В эпоху Высокого Возрождения основополагающим было влияние искусства Леонардо да Винчи и его школы (Дж. А. Больтраффио, Б. Луини, Амброджо де Предис, Ф. Мельци и др.). Во 2-й половине 16 в. образовалась отдельная брешианская школа, в искусстве которой соединились традиции ломбардской и венецианской школ.
Маньеризм
(итал. manierismo, от maniera - приём, манера)
Течение в европейском искусстве 16 в. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармоничного восприятия мира, гуманистической концепции человека как совершенного творения природы. Острое восприятие жизни сочеталось в маньеризме с программным стремлением не следовать природе, а выражать субъективную «внутреннюю идею» художественного образа, рождающегося в душе художника. В этом противоречивом духе представители маньеризма интерпретировали отдельные элементы творчества мастеров Высокого Возрождения. Они культивировали представления о неустойчивости мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Искусство маньеризма тесно связано с придворной позднефеодальной культурой, элитарно по своей сущности и ориентировано на узкий круг знатоков. Ярче всего маньеризм проявился в Италии. Для итальянского маньеризма 1520-х гг. (Понтормо, Пармиджанино, Джулио Романо и др.) характерны драматическая острота образов, трагизм мировосприятия, усложнённость и преувеличенная экспрессия поз и мотивов движения, удлинённость пропорций фигур, колористические и светотеневые диссонансы. Особую роль в произведениях маньеризма играет виртуозная нервная линия, нередко приобретающая самостоятельное значение. В большинстве портретов маньеризма подчёркивается внутренняя напряжённость и замкнутость персонажей, обострённое субъективно-эмоциональное отношение художника к модели. В изощрённо-декоративных монументальных циклах (Джулио Романо и др.) преобладают изощрённые атектонические, насыщенные гротескной орнаментикой решения. С 40-х гг. маньеризм стал господствующим течением в итальянском придворном искусстве и приобрёл черты холодной официальности. Его художественный язык отмечен принципиальным эклектизмом, насыщен сложными, доступными лишь узкому кругу посвящённых аллегориями (живописцы Дж. Вазари, А. Бронзино, Ф. Цуккари и др.).
В скульптуре (Б. Амманати, Б. Челлини, Джамболонья) и архитектуре (Амманати, Вазари, Джулио Романо) маньеризм проявился главным образом в тяготении к неустойчивой, динамичной композиции, подчёркнутой (нередко чрезмерно) выразительности декора и фактуры, стремлением к сценическим эффектам.
Превращению маньеризма в общеевропейское явление способствовали деятельность итальянских мастеров во Франции (Никколо дель Аббате, Россо Фьорентино, Приматиччо), Испании (В. Кардучо), Чехии (Дж. Арчимбольдо), а также широкое распространение маньеристической графики и декоративно-прикладного искусства. Влияние маньеризма во многом определили творчество представителей 1-й школы Фонтенбло во Франции 1520-40-х гг., но вскоре европейский маньеризм выродился в космополитичное течение во 2-й школе Фонтенбло в конце 16-начале 17 вв., а также в Германии и Нидерландах середины и 2-й половины 16 в. Выступление в Италии, с одной стороны, академистов болонской школы, с другой - Караваджо и распространение караваджизма ознаменовало конец маньеризма, утверждение барокко и мощных реалистических течений в европейском искусстве 17 в.
Меровингское искусство
Условное название искусства ряда областей Северной и Центральной Франции, объединённых в 5-8 вв. государством Меровингов. Меровингское искусство опиралось на традиции позднеантичного, галло-римского искусства, а также искусства варварских народов. Архитектура меровингской эпохи хотя и отразила упадок строительной техники, вызванный крушением античного мира, подготовила вместе с тем почву для расцвета дороманского зодчества в период «Каролингского возрождения». Типичны баптистерии (в Пуатье, 4-11 вв.), подземные церкви-крипты (Сен-Лоран в Гренобле, кон. 8 в.) и церкви базиликального типа; часто в постройках использовались античные мраморные колонны. В декоративно-прикладном искусстве позднеантичные мотивы сочетались с чертами «звериного стиля»; особенно распространены были плоскорельефная резьба по камню (саркофаги), рельефы из обожженной глины для украшения церквей, изготовление церковной утвари и оружия, богато украшенного золотыми и серебрянными вставками и драгоценными камнями. В книжной миниатюре главное внимание обращалось на украшение инициалов и фронтисписов; отдельные изобразительные мотивы подчинялись орнаментально-декоративному началу; в раскраске преобладали яркие лаконичные цветовые сочетания.
Метафизическая живопись
(итал. pittura metafisica)
Направление в итальянской живописи 2-й половины 1910-х-нач. 20-х гг. Мастера метафизической живописи (её основатель Дж. Де Кирико, К. Карра, Ф. Де Писис, М. Кампильи, Ф. Казорати, Дж. Моранди), группировавшиеся вокруг журнала «Валори пластичи» (1919-22) и во многом следовавшие тенденциям неоклассицизма 20-х гг., стремились создать впечатление тоскливой пустынности «очищенного» пространства, пугающей застылости мира, отчуждённого от человека, раскрыть в реальных предметах, оторванных от привычных связей, некий таинственный магический смысл.