Галерея «МАСТЕР»
Назад * Галерея «МАСТЕР» * Вперёд
Греция (Древняя Греция), Эллада (греч. Hellas)
Общее название территории древнегреческих городов-государств, занимавших в 11-1 вв. до н. э. юг Балканского п-ова, о-ва Эгейского моря, побережье Фракии, западный берег Малой Азии. Собственно древнегреческое искусство зародилось в недрах микенского (Эгейское искусство). Преемственная связь на рубеже 2-1-го тыс. до н. э. прослеживается наиболее чётко в росписной керамике и архитектуре (последовательная эволюция вазописи от позднемикенской и протогеометрической к вазописи геометрического стиля, 9-7 вв. до н. э.; сохранение в ранней греческой архитектуре построек типа мегарона). В пределах хронологических рамок развития древнегреческого искусства (11-1 вв. до н. э.) различают так называемый гомеровский период, периоды архаики, классики и эллинизма (Эллинистическое искусство).
Наивысшего подъёма древнегреческая цивилизация достигла в 5-4 вв. до н. э., в эпоху рабовладельческой демократии и расцвета древнегреческих городов-полисов. Она нашла яркое выражение как в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве, так и в философии, литературе и театре, естественнонаучных и исторических знаниях. Пластические искусства Греции на протяжении многих столетий служили образцами красоты, художественной гармонии и высокого вкуса. Творчество древнегреческих мастеров основывалось на мифологических представлениях, однако оно проникнуто пристальным вниманием к реальности, ощущением гармонии и соразмерности мира, красоты естественного бытия, физического и духовного совершенства человека. Характерно, что человеческое начало присутствует не только в изобразительном искусстве, но и в зодчестве Греции (математический анализ пропорций древнегреческой архитектуры говорит о том, что они соразмерны пропорциям человеческой фигуры). Эти глубоко гуманистические начала обусловили определяющее значение древнегреческой культуры для развития мировой цивилизации. Благодаря широкому распространению греческой колонизации (наиболее интенсивной в 8-6 вв. до н. э.) древнегреческие художественные памятники сохранились также на севере Балканского п-ова, в Средиземноморье и Причерноморье.
В так называемый гомеровский период (11-8 вв. до н. э.) широкое развитие получила расписная керамика. До 7 в. до н. э. в ней существовал геометрический стиль. В период его расцвета (8 в. до н. э.) создавались большие вазы (служившие надгробиями: называемые дипилонскими, так как были обнаружены на Дипилонском некрополе в Афинах) и сосуды бытового назначения. Росписи состояли из геометрического орнамента и отличались чёткой ритмикой, выразительностью линий; геометризации подчинялись и изображения людей и животных. В геометрическом стиле создавались также терракотовые статуэтки и скульптурные украшения сосудов (налепы на крышках и фигурные ручки из глины и бронзы), Скудные остатки построек, терракотовые модели храмов гомеровского периода свидетельствуют о том, что строительная техника этого времени уступала критской и микенской.
Период архаики (7-6 вв. до н. э.) отмечен сложением классового общества, формированием городов-государств. Главными элементами их градостроительной структуры были святилище (акрополь) и торговый центр (агора), вокруг которых располагались жилые кварталы. Центр, место в застройке городов занимали храмы («жилища богов» со статуей внутри), которые сооружались сначала из сырцового кирпича и дерева, с конца 7 в. до н. э.- из известняка, а с конца 6 в. до н. э.- всё чаще из мрамора. Преобладающим типом храма был обнесённый колоннадой периптер. Он сложился в результате длительной эволюции от древнего жилища - мегарона к «храму в антах», простилю и амфипростилю. Наряду с храмами строились различные по функциям общественные сооружения: булевтерии (дома для собраний), стои, театры, стадионы и др. С переходом к строительству из камня складываются главные разновидности архитектурного ордера, способствовавшего созданию тектонически ясного архитектурного образа, выработке соразмерных человеку архитектурных масштабов. Постройками дорического ордера являются храмы Геры в Олимпии, Аполлона в Коринфе, Деметры в Посейдонии (2-я пол. 6 в. до н. э.), храмы в Селинунте. Суровая монументальность облика дорических храмов эпохи архаики созвучна времени напряжённой общественной борьбы внутри полисов. Ионический ордер (к которому близок эолийский) возник в 6 в. до н. э. в греческих городах Малой Азии. Строгая изысканность форм капители и стройность пропорций отличают его от дорического. Он применён в обширных многоколонных храмах с двойной колоннадой - диптерах (храмы Артемиды в Эфесе и Геры на о-ве Самос - оба середина 6 в. до н. э.), а также (с некоторыми изменениями) в небольших изящных сокровищницах в святилище в Дельфах.
Скульптура эпохи архаики украшает храмы (рельефы фризов, метоп и фронтонов, фигурные и орнаментальные акротерии, антефиксы из камня и терракоты). Суровые изваяния изображают богов и мифологических героев (Тесея, Геракла, Персея), борющихся со страшными чудовищами - олицетворениями зла и пороков. Массивность и слабая расчленённость фигур созвучна архитектурным формам архаических храмов (как бы набухающим стволам толстых колонн, монументальным антаблементам). Динамикой и сложностью композиции отличались многофигурные скульптурные фризы ионических храмов (фриз сокровищницы сифнийцев в Дельфах, ок. 525 до н. э.). От мало связанных друг с другом отдельных сцен постепенно совершается переход к целостным, гармоничным композициям. Рельефы на ранних фронтонах (храм Артемиды на о-ве Керкира, начало 6 в. до н. э.) со временем сменяются круглой скульптурой с обобщённой обработкой тыльной стороны (Тифон в виде змееподобного существа на фронтоне древнего храма Гекатомпедона в Афинах, ок. 570 до н. э., Афины).
Статуарная архаическая скульптура представлена первоначально небольшими деревянными, позже бронзовыми статуэтками («Аполлон из Фив», 1-я пол. 7 в. до н. э.), затем изваяниями обнажённых юношей (куросов) и стройных девушек (кор) в длинных одеждах (особенно совершенны аттические и ионийские статуи зрелой и поздней архаики). В них воплотились эстетические представления о физическом совершенстве человека, доблести защитника полиса, могуществе божества. Неподвижность и обобщённость форм («Артемида Делосская», середина 7 в. до н. э., Афины, «Гера Самосская», 2-я четверть 6 в. до н. э., Лувр) дополняются условным обозначением движения («Ника Делосская», середина 6 в. до н. э., приписывается скульптору Архерму, Афины). Скульпторы, использовавшие как средство психологической выразительности лишь крайне ограниченную мимику человеческого лица (так называемая архаическая улыбка), умели вместе с тем достигать богатства эмоционального строя образов с помощью тонкой моделировки цельных объёмов, виртуозной пластической трактовки драпировок, отличающихся то сдержанным и строгим, то прихотливым линейным ритмом складок. В архаической скульптуре проявляются местные различия: ионические коры и куросы с их лиричностью и созерцательностью, плавной текучестью форм отличаются от суровых, резких по моделировке дорических статуй («Клеобис» и «Битон» - обе ок. 600 до н. э., скульптор Полимен Аргосский, М. в Дельфах).
В эпоху архаики получили развитие основные разновидности древнегреческих ваз: амфора, кратер, килик, гидрия и др. Вазописцы 7 в. до н. э. создавали композиции так называемого ориентализирующего стиля. В их росписях, порой сплошь покрывающих поверхность сосудов, жёсткость линий и условность геометрических узоров постепенно уступают место гибкости линий и силуэтов, богатым растительным мотивам, распространяются сюжетные, главным образом мифологические, сцены (наиболее частые в островной керамике). В конце 7-6 вв. до н. э. в вазописи Коринфа, а затем Афин утверждается чернофигурный стиль. ведущими мастерами которого были Клитий, Эксекий, Амасис. С именем Андокида связан переход ок. 530 до н. э. от черно-фигурной (чёрные, покрытые лаком силуэтные изображения на красном фоне глины) вазописи к краснофигурной (контурные изображения чёрным лаком на красной глине). Высокое совершенство присуще в архаический период искусству глиптики.
В эпоху классики (5-3-я четверть 4 вв. до н. э,) достигли расцвета древнегреческие города, сложилась система регулируемой планировки (Милет, Пирей), главные принципы которой (разбивка города прямоугольной сетью улиц, комплексная застройка жилых кварталов домами одинаковой величины и др.) принято связывать с именем арх. Гипподама из Милета. «Гипподамова система» отвечала демократическим идеалам и структуре полиса. Типичным жилищем эпохи классики был дом из сырца, помещения которого группировались вокруг двора и примыкавшей к нему «пастады» (крытый проход на столбах). В архитектуре классических храмов (являвшихся не только святыней, но и своеобразным символом полиса) типичные черты сочетались с индивидуальными особенностями: единая ордерная схема варьировалась путём изменения пропорций и масштаба построек. Каждый город-государство стремился к своеобразию своих главных сооружений. Поэтому при общности плана и ордерных элементов столь различны по архитектурному облику храм Афины Афайи на о-ве Эгина (ок. 500-480 до н. э.), храм Геры II (т. н. храм Посейдона) в Посейдонии (2-я четв. 5 в. до н. э.), храм Зевса в Олимпии (468-456 до н. э.) и др.
На рубеже 6-5 вв. до н. э. происходят решительные перемены в изобразительном искусстве. Преодолевая условность архаических форм, скульпторы, вазописцы и живописцы начинают создавать более близкие к реальности образы, совершеннее изображать человеческую фигуру, её структуру и движение. Многофигурные сцены на фронтонах и фризах храмов приобрели более смелую и свободную композицию. Принципы «строгого стиля», возникшего в начале классической эпохи, наиболее отчётливо воплотились в вазописи. Вазописцы Эпиктет, Евфронии, Дурис, мастер Брига, работавшие в краснофигурной технике, создавали росписи как на мифологические, так и на бытовые темы (сцены пирушек, занятий в школах, атлеты на стадионах). Их изображениям свойственны строгая подчинённость форме сосудов, лаконизм и вместе с тем свобода и естественность композиции, изящество обобщенного рисунка. «Строгий стиль» проявился и в скульптуре 1-й пол. 5 в. до н, э. (скульптуры фронтоны храма Афины Афайи на о-ве Эгина, фронтоны и метопы храма Зевса в Олимпии). В раннеклассической пластике наряду с героическими образами (группа «Тираноубийцы» работы Крятия и Несиота, 477 до н. э., М. в Дельфах) создавались и возвышенно-лирические (рельефы так называемого трона Лудовизи, 2-я четв. 5 в. до н. э., Рим). отмеченные обобщённостью и гибкостью пластики, тонкостью моделировки, изысканным линейным ритмом. Поиски мастеров 1-й пол. 5 в. до н. э. завершил Мирон. Совершенное пластическое выполнение человеческой фигуры, тонкое знание её структуры и движений дали ему возможность выразить непреходящие по своему значению идеи: победы прекрасного человеческого начала над уродливым («Афина и Марсий»), красоты предельного напряжения гармонически развитого человеческого тела (статуя «Дискобол»). В сер. и 3-й четв. 5 в. до н.э. искусство классики достигло расцвета (высокая классика). Главным политическим и художественным центром Эллады в эпоху правления Перикла стали Афины. На разрушенном персами в период греко-персидских войн (500-449 до н. э.) Акрополе создавался стройный и свободный по пространственной композиции ансамбль, рассчитанный на непрерывную и последовательную смену точек зрения, в сооружениях которого гибко сочетались элементы симметрии и асимметрии, ионического и дорического ордеров. Архитекторы и скульпторы работали здесь под руководством Фидия, Иктин и Калликрат воздвигли на Акрополе храм Афины - Парфенон. В его строгих, гармоничных, классически ясных пропорциях, в праздничном монументальном облике как бы олицетворён триумф победы над персами. Архитектор Мнесикл построил парадные Пропилеи, безвестный мастер - изящный ионический Эрехтейон. Строгое архитектоничное скульптурное убранство Парфенона (рельефы метоп и фриза, статуи фронтонов) воплощает идеалы возвышенной красоты и гармонии. Изображения богов, афинян, шествующих в торжественной процессии, сцен борьбы кентавров с лапифами символизируют торжество разумного эллинского начала над силами варварства. Им свойственны высокое пластическое совершенство, виртуозная лёгкость моделировки и обработки поверхности мрамора. Классические идеалы, представления о гражданской доблести, нравственном и физическом совершенстве свободного эллина воплотились также в работах Алкамена и Кресилая, статуях Поликлета из Аргоса, нашли отражение в вазописи, во фресках Полигнота, терракотовых статуэтках, рельефных изображениях на монетах, произведениях глиптики. После Пелопоннесской войны 431-404 до н. э., в период кризиса греческой полисной демократии, интересы полиса всё более вытеснялись интересами отдельной человеческой личности. Всё большее внимание уделялось строительству сооружений, связанных с многообразными потребностями человека: гимнасиев, палестр, одеонов, театров (театр в Эпидавре, арх. Поликлет Младший). Строго продуманная, функционально обусловленная композиция греческих театров легла в основу развития мировых зрелищных сооружений. В 4 в. до н. э. появляется тенденция к увековечению личности в мемориальных постройках (мавзолей в Галикарнасе, памятник Лисикрата в Афинах).
В изобразительном искусстве возросший интерес к человеческой личности стимулировал развитие скульптурного портрета (работы Деметрия из Алопеки, кон. 5-1-я пол. 4 вв. до н. э.). Противоречия действительности преломились в творчестве Скопаса, воплотившего в своих мифологических скульптурных композициях драматизм борьбы, силу духовных и физических порывов человека (фриз мавзолея в Галикарнасе; статуя «Менада»). В статуях Праксителя преобладают спокойная мечтательность, элегические ноты. В работах Лисиппа, придворного скульптора Александра Македонского, проявляется острое ощущение изменчивой, драматически сложной жизни мира. Произведения Леохара, стремившегося следовать образцам классики 5 в. до н. э., свойственны черты академической холодности. Широкой известностью пользовался во 2-й пол. 4 в. до н. э. живописец Апеллес, по свидетельству древних авторов искусно владевший светотенью.
Эллинистический период (кон. 4-1 вв. до н. э.) характеризуется расширением зоны распространения греческой культуры, её взаимодействием с культурой народов, входивших в состав монархии Александра Македонского, а затем государств его преемников. Законодателями вкусов в этот период стали малоазийские города. Невиданного размаха достигло строительство, выросли многочисленные новые города (Александрия, Антиохия на Оронте, Селевкия на Тигре и др.). Воздвигались огромные сооружения (Фаросский маяк в Александрии), создавались величественные архитектурные ансамбли (акрополь в Пергаме). Дифференцировались типы жилища (от скромного дома до дворца). В домах с традиционным планом внутренний двор превращался в обрамлённый колоннадой перистиль. Произведения эллинистической скульптуры (стремительная Ника Самофракийская, кон. 4 в. до н. э., Лувр; гибнущие в борьбе гиганты фриза Пергамского алтаря, 2 в. до н. э., Берлин; напрягающий последние силы Лаокоон, ок. 50 до н. э., Ватикан) пронизаны внутренним напряжением, движением и тревогой, окрашены трагизмом мироощущения. Для искусства эллинизма характерно многообразие региональных школ, направлений, художественных задач. На смену гармоническому идеалу человека-гражданина приходят прославление владык, не имеющая предела монументализация образа божества (статуя Гелиоса - так называемый Колосс родосский, не сохранился). интерес к людям, стоящим на разных (в том числе низших) ступенях социальной лестницы, к возрастным особенностям человека, различным этническим типам (Эллинистическое искусство).
После завоевания Греции Римом искусство эллинов входит в русло развития культуры завоевателей, обогащая последнюю своими гуманистическими традициями, но всё больше утрачивая самостоятельный характер. К опыту древнегреческого искусства широко обращалась художественная культура последующих веков. Его лучшие произведения продолжают доставлять нам художественное наслаждение и в известном отношении служить нормой и недосягаемым образцом.
См. также «Система ордеров Древней Греции и Древнего Рима».
Дадаизм
(франц. dadaisme, от dada - деревянная лошадка; в переносном смысле - бессвязный детский лепет)
Модернистское литературно-художественное течение, существовавшее в 1916-22. Дадаизм зародился в Цюрихе, в среде анархиствующей интеллигенции, воспринявшей 1-ю мировую войну 1914-18 как развязывание в человеке извечных звериных инстинктов, а разум, мораль, эстетику - как их лицемерную маскировку. Отсюда проистекали программный иррационализм и демонстративный антиэстетизм дадаизма и конкретные методы его представителей (французы М. Дюшан, Ф. Пикабия, швейцарец Ж. Арп, немцы М. Эрнст, К. Швиттерс и др.), нередко сводившиеся к разного рода скандальным выходкам - заборным каракулям, псевдотехническим чертежам, комбинациям случайных предметов, наклейкам на холст (коллажам) и т.п. В 20-х гг. во Франции дадаизм слился с сюрреализмом (перенявшим парадоксальность приёмов дадаизма), а в Германии - с экспрессионизмом. Некрые из немецких дадаистов впоследствии, перейдя на позиции революционного пролетарского искусства, применяли в новых целях приёмы уличного рисунка (сатирическая графика Ж. Гроса) и монтажа (политические плакаты Дж. Хартфилда). Дадаистские методы комбинации «готовых» предметов стали в сер. 20 в. источником поп-арта.
Дезурбанизм
(от франц. des - приставка, означающая отрицание, уничтожение, и лат. urbanus - городской)
Направление в градостроительстве 20 в., отрицающее положительную роль крупных городов и проповедующее рассредоточение населения за их пределами. Распространение идей дезурбанизма (проявившегося уже в социальных утопиях нач. 19 в.) связано главным образом с обострением противоречий между городом и деревней, с кризисом капиталистического города. В конце 20-х гг. концепции дезурбанизма оказали влияние и на некоторых советских архитекторов (М. О. Барщ, М. Я. Гинзбург, проект Зелёного города, 1930, и др.). Наиболее последовательно принципы дезурбанизма были сформулированы Ф. Л. Райтом в книге «Исчезающий город» (1932) и в проекте города (1933), предполагавшем размещение жилых и общественных зданий среди сельскохозяйственных угодий. После 2-й мировой войны 1939-45 идеи дезурбанизма были частично реализованы при проектировании городов-спутников.
Декаданство
(франц. decadence, от позднелат. decadentia - упадок)
Общее наименование кризисных явлений европейской культуры 2-й половины 19 - начала 20 вв., отмеченных настроениями безнадёжности, неприятия жизни, тенденциями индивидуализма. Ряд черт декаданства отличает и некоторые направления 20 в., объединяемые понятием модернизм.
Сложное и противоречивое явление, декаданство имеет источником кризис общественного сознания, растерянность многих художников перед резкими социальными антагонизмами буржуазной действительности, перед революцией, в которой многие художники-декаденты видели слепую, разрушительную силу истории. С точки зрения представители декаданства, любые формы общественного прогресса и классовой борьбы преследуют грубо утилитарные цели и должны быть отвергнуты. Отказ искусства от политических и гражданских тем художники-декаденты считали проявлением и непременным условием свободы творчества. Декадентское понимание свободы личности неотделимо от эстетизации индивидуализма, а культ красоты как высшей ценности порой проникнут аморализмом. Постоянными темами декаданства являются мотивы небытия и смерти, тоска по духовным ценностям и идеалам. Наиболее полно черты декаданства проявились (в разной степени у различных художников) в литературе и искусстве прерафаэлитов, творчестве отдельных представителей символизма и стиля «модерн». Широкое распространение декаданство получило в России, особенно после Революции 1905-07 (в изобразительном искусстве они сказались в творчестве ряда мастеров объединения «Мир искусства» и «Голубая роза»).
Делакруа Эжен
Живопись Эжена Делакруа (1798-1863) обычно знают по одной картине, иногда неправильно называя ее «Свобода, ведущая народ». На самом деле она называется «28 июля 1830» (иначе - «Свобода на баррикадах»). Помимо нее Делакруа создал большое количество разных полотен (на исторические и бытовые темы), пейзажей, портретов (например, Жорж Санд, Ф. Шопена), натюрмортов, расписывал залы дворцов и капеллу в церкви Сен-Сюльпис. Он оставил после себя замечательный дневник. При жизни искусство художника отметили многие критики и литераторы. И конечно, апофеозом написанного о нем являются фрагменты бодлеровского «Салона 1846 г.», одновременно посвященные картинам Делакруа и его художественным принципам.
Делакруа, как и большинство знаменитых французских художников, обучался в Школе Изящных Искусств в Париже. Потом был учеником Герена. Дебютировал с картиной «Данте и Вергилий» (1822 г.). В следующем, 1823 году, художник обращается к теме борьбы греков против Турции. Результатом стала композиция «Резня на Хиосе», обнаруживающая явный талант и профессионализм (Салон 1824 г.). В 1827 г., в продолжение темы, появилась «Греция на развалинах Миссолунги». С этого времени Делакруа становится известен как исторический живописец-романтик. «Казнь дожа Марино Фальеро» (1826), «Смерть Сарданапала» (1827), иллюстрации к произведениям В. Скотта, позднее – картины «Битва при Пуатье» (1830) и «Битва при Нанси» (1831); апофеозом стало трагическое «Взятие крестоносцами Константинополя» (1840-41). Помимо исторической живописи, обращенной в прошлое, Делакруа рисует современную ему Францию. Портреты деятелей искусства, литераторов, а также литографии – то, над чем трудится художник в 1830-е гг. Еще в кон. 1820-х он создает ряд сюжетных иллюстраций к переводу «Фауста» Гете, а также рисует самостоятельную картину «Фауст в своем кабинете» (1827). Не менее великолепно Делакруа проиллюстрирует в 1834-43 гг. шекспировского «Гамлета».
Волнения лета 1830 г. явились темой для написания «Свободы на баррикадах». Картина «28 июля 1830» (это революционное полотно!) была выставлена уже через год после подавления парижского восстания - в Салоне 1831 г.
В 1832 г. художник уезжает на Восток. В Марокко и Алжир. Восточные мотивы будут составлять значительную часть творчества Делакруа в последующие двадцать лет. В 1834 появляются «Алжирские женщины», а в 1854 – «Львиная охота в Марокко», по-прежнему обнаруживающая у художника интерес к ориенталистике. И, разумеется, этот интерес отчасти был причиной написания «Взятия крестоносцами Константинополя».
В кон. 1830-1850-е гг. Делакруа расписывает залы парижских дворцов. Для истинного адепта живописи не могло быть «работы по заказу правительства» или «службы на благо народа». Он служил только искусству. В последние годы жизни художник председательствовал в жюри всевозможных выставок и салонов. Его творчество завершило эпоху романтизма в живописи. Вслед за этой эпохой наступило время импрессионизма. Но импрессионизм - сюжет совершенно другой статьи
Дивизионизм
(от франц. division - разделение)
Живописная система, основанная на методичном разложении сложного цветового тона на чистые цвета, которые фиксируются на полотне чётко различимыми отдельными мазками в расчёте на оптическое смешение этих мазков при зрительном восприятии картины. Эта живописная система была разработана Ж. Сера и П. Синьяком; применялась многими мастерами неоимпрессионизма и пуантилизма.